יום ראשון, 9 באוקטובר 2011

ההצגה חייבת להיפסק | על היכל התרבות בקריית ארבע


אחד מהתעלולים היפים של מלאכת המחזאות הוא ״תיאטרון בתוך תיאטרון״. שייקספיר הרבה להשתמש בכפילות כזאת בתור כלי דרמטי. ב-״המלט״ מעלה להקת השחקנים מחזה שרומז לגורלן של הדמויות. ״חלום ליל קיץ״ מסתיים בהצגה אותה מציגים דרי היער במסיבת הכלולות של זוג האצילים. היא ממצה את הפוטנציאל הקומי של המחזה.


הפוטנציאל הקומי של טור זה מבוטל למדי. רק טרגדיה מסוגלת לגרום לביקורת השבועית להתחלף בהרהור פוליטי. היכל התרבות שנפתח בימים אלה בקריית ארבע מעלה דילמות קשות. שוב נשאלות שאלות מימי פתיחת ההיכל באריאל: האם יתכן קהל שאינו ראוי לתיאטרון? האם חרם תרבותי יכול להיות לגיטימי? ומנגד - האם הופעה בהיכל תרבות ששוכן בישוב כזה אינה תרומה לכיבוש נפשע? האם לא ראוי לקרוא תגר על מפעל שמבטל את האפשרות שלנו, של ילדינו ושל שכנינו ושל ילדי שכנינו לעתיד נורמאלי?


התשובה לשאלות טמונה בדיוק במילה האחרונה הזאת: נורמאלי. אילו היה בקריית ארבע מימד של נורמאליות, קל היה הרבה יותר להצדיק את ההופעה בהיכלה (שהוקם באופן מסתורי בתמיכת הרשות לפיתוח הנגב והגליל) אבל קריית ארבע אינה נורמאלית, קריית ארבע היא חזיון תיאטרלי.


צאו לכל סיור באזור חברון, בין אם מטעם המתנחלים או בהדרכת פעילי שוברים שתיקה, ותחושו שאתם מתהלכים בתוך מיצג תיאטרון אוונגארד מן הסוג שמותיר חותם מטריד בנפש. המתנחלים יכניסו אותכם לחדר מלא צילומי גופות ופצעים מדממים של קדושי תרפ״ט. בעוד הפעילים יוליכו אותכם ברחובות דוממים של עיר רפאים מאובקת:על פי פקודה של הצבא אסורה על הפלשתינים ההליכה ברחובותיה הראשיים ביותר של העיר העתיקה. הם נאלצים לצאת מבתיהם דרך הגגות ולהתנהל אל אזורים מותרים.


חזיתי פעם באירוע תיאטרון בהלסינקי שבו ״הוקפא״ רחוב שלם. כל העוברים והשבים בו ניצבו ללא נוע בתנוחות המעידות על היותם מצויים בתנועה, כאילו נקטע חלוף הזמן. זה היה תיאטרון רצוני, מודע. מיצג תיאטרון האכזריות של חברון מודע אף הוא, אבל קשה לקבוע מי מביים אותו. האם אלה הם שש מאות המתנחלים החיים במרכז העיר וכופים את הסגר המתמיד על תושביה? האם זו מדינת ישראל, שאיפשרה ומוסיפה לאפשר מדי יום את המשכו של סטטוס קוו הזוי?


למעלה ממחציתם של מתנחלי קריית ארבע, הם עולים מחבר המדינות שהגיעו למקום בהכוונת מדינת ישראל. האם גם הם שותפים להפקה? התשובה היא חד משמעית כן. תפאורת ההצגה ששמה חברון נמתחת עד למעלה הגבעה, שם שוכן קברו של ברוך גולדשטיין במרכז פארק מאיר כהנא. גם כאן אסור לפלשתינים להתהלך ברחובות. ערבים, אפילו בעלי אזרחות ישראלית או מעמד ירושלים, מנועים באופן לא רשמי אך גורף מלהכנס לקריה, והש״ג האזרחי שבשער מוודא שרכבים הבאים לתוכה נקיים מהם. מי שמסכים לחיות במקום שגזענות כה חריפה מאפיינת אותו, נושא באחריות גם לנגזרותיה.


אמנים הבוחרים להופיע בקריית ארבע צריכים לזכור שבעלותם לבמה החברונית הופכת הופעתם לתיאטרון בתוך תיאטרון, למונולוג בתוך מחזה עצום ששמו הכיבוש. אמנם בבואם הם יבחרו שלא להחרים קהל ישראלי אבל הם יחרימו ערבים, שהכניסה לאולם אסורה עליהם. צריך לזכור זאת: הופעה בקריית ארבע אינה שונה מהותית מהופעה באולם ששחורים או יהודים מנועים מלהכנס אליו.


ראוי שהבוחרים להופיע בקריית ארבע ידעו משהו על המתרחש בתמונות אחרות של המחזה בו ישתתפו. בתמונה אחת יורדות תלמידות בית ספר לבנות במורד גבעה, במשעול צר שרק בו מתיר להן צה״ל להתהלך. מתנחלים צעירים אורבים להן מדי שבת ומנצלים את חופשיותם הרבה יותר לנוע במרחב כדי ליידות בהן אבנים ולהכות אותן. ארגוני זכויות אדם פנו למשטרה בבקשה שתהיה נוכחת בשטח, שכן הצבא אינו פועל לרסן אלימות מתנחלים, אז המשטרה נוכחת, ברכב סגור שאיש לא יוצא מתוכו ומתערב.


סצנות אחרות מוכרות יותר: יציקת צואה והשלכת לבנים על ההולכים בקסבה, גדיעת עצי זית. ״שרמוטה שרמוטה״, השתלטות לא חוקית על חנויות ומבנים, ועוד. תושבי קריית ארבע שותפים לכל אלה, בין אם בפועל ובין אם בהיותם ברקע, כגב תומך. אמני ישראל כעת מוזמנים לתמוך אף הם.


נכון, גם חברון הפלשתינית יודעת להיות אלימה ופעילות הצלפים של שכונת אבו סנינה גבתה חיי אדם רבים, בהם חיי ילדים חפים מפשע. מנגד, אי אפשר להתעלם מן הגרוטסקיות של קטעי המחזה הכתובים עברית. מדינת ישראל יצרה בועה של סאדיזם שכל יהודי יכול לעשות בה כרצונו בלי לשלם מחיר. בועה כזאת מושכת מן הסתם טיפוסים שאוהבים לחיות מבלי לשלם מחיר.


עד כה נאלצו מתיישבי קריית ארבע לשלם מחיר פעוט: היה עליהם לנסוע חצי שעה צפונה, עד ירושלים, כדי לספוג תרבות. זה היה הדבר ההגיוני היחיד לגבי המקום וכעת גם ההגיון הזה אבד. היענותם של התיאטראות הגדולים לקריאה להופיע בקריה היא טראגית. אם אמני ישראל רוצים לתמוך בתושבי הקרייה, הם צריכים להביא אליה לא תיאטרון אלא מחאה. תיאטרון יש שם מספיק.


הופיע במקור ב-"עכבר העיר", ספטמבר 2011. איור: "יופי" מאת אוטו דיקס.

השתקפות בחלון פריזאי | "שם פרטי" בבית לסין


קומדיות בורגנים צרפתיות הן עניין של ווין ווין (או בצרפתית: “גנייה גנייה"). הצרפתים אוהבים לצחוק על הבורגנים, אנחנו אוהבים לצחוק על הצרפתים. כולם מאושרים. אמנם, מאחר וקהל היעד של הקומדיות הללו בורגני בעצמו, יוצא שהצרפתים נהנים גם ממימד של עקיצה עצמית שנחסך מאיתנו. הם בורגנים, אנחנו לא צרפתים. כנראה שאף תענוג אינו שלם.


האם טוב היה בכל זאת להשלים את התענוג ולאזרח את הקומדיות הללו? האם לא כדאי שנצחק קצת גם על עצמנו? הנטיה בתיאטרון הישראלי היא לא לעשות זאת, אלא להשאיר את הדמויות צרפתיות ועם זאת להעניק להן לשון ישראלית עכשווית עם כל האמריקניזמים הכלולים בה, כמו צעקת "שיט!” ברגע של תסכול. זה פתרון נחמד. יוצא שגם אם איננו מביטים במראה ממש, משהו מפרצופנו משתקף בחלון הניבט על פריז.


מימד ההשתקפות משמעותי במחזה "שם פרטי", שהפריזאיות בו אינו המרכז ועלילתו יכולה היתה להתרחש גם בצהלה. עלילת ”אידיוט מושלם" העולה במקביל בהבימה, מתארחת בסלון טיפוסי ברובע השביעי ואחת הבדיחות בה נסבה סביב בקבוק של יין שאטו לאפיט שאין לו ממש מקבילה במציאות הישראלית (גראן קסטל ב-260 ש"ח זה לא אותו דבר). גם ב-”שם פרטי" יש בדיחת יין, אבל היא שולית והיין זול יותר. ניתן לנו לראות את עצמנו בסלון הזה. ולכן אולי חבל שכולם שם נשארים קוראי "לה מונד".


למה אני מתפלסף כל כך הרבה על קומדיות כאילה ומקומנו בהן? כי אי אפשר לספר אף פרט מעלילת "שם פרטי" בלי להפיל פצצת ספוילר מיותרת לחלוטין. כעקרון, עשר הדקות הראשונות מתות למדי. בביתם של בני הזוג לארשה מתכוננים לארוחת ערב. פייר (דב נבון) ואליזבת (יעל לובנטל) מתכוננים לארח את אחיה של אליזבת, ונסן (ליאור אשכנזי) את אשתו אנה (מיכל לוי) ואת ידידן הטוב של שתי הנשים, קלוד (מורדי גרשון).


את גלגלי העלילה מניע ונסן, כשהוא מספר לאורחים איזה שם בחרו הוא ואשתו לתת לבנם. זה לא שם מוצלח, בלשון המעטהף אלא שם בעייתי ביותר מבחינה פוליטית והיסטורית. דמיינו ישראלי שמתארח בערב שישי אצל חבריו בצהלה ומודיע שהוא ורעייתו החליטו לקרוא לבנם יאסר, לא על שם ערפאת, חס וחלילה, אלא על שם השחמטאי הסורי יאסר סראוואן הנערץ על שניהם. קלטתם את התמונה.


עניין השם יורד יחסית מהר מהשולחן לטובת דיסאינטגרציה מוחלטת של המשפחה, שכל סודותיה, מאבקיה הפנימיים, תיסכוליה ושקריה מתחילים לצוף אל פני השטח. בסך הכל, מדובר בברדק מהנה ובהצגה מהנה. שיהיו צרפתים, למה לא. בין כה יש ב-”שם פרטי" בעיות בוערות יותר מהצרפתיות.


בעיה ראשונה היא הצעקנות. לא ייתכן שכל הדמויות יצעקו כל הזמן. בסדר, הבנו. אתם נרגשים, כואבים, זועמים, ובכל זאת – זאת הצגת תיאטרון, ותיאטרון פירושו במקרים רבים הימנעות מצעקה. בתיאטרון, גם בקומדיית מצבים בידורית, ניתן לומר כל דבר בלי צעקה. לא מאמינים לי? תחזרו לבית הספר לתיאטרון או תשלחו אליו את הבמאי, ואל תצעקו עלי שהבמאי הוא משה קפטן ויש לו תעודות. פשוט אל תצעקו, תודה.


לבעיה אחרת קוראים ווייס אובר. ההצגה נפתחת ומסתיימת בקריינות מוקלטת. אם כבר החלטנו להגדיר מהו תיאטרון, הבה נחדד את ההגדרה. תיאטרון הוא מדיום שבו, מלבד באירועי קצה נדירים ביותר, לא צריך ולמעשה אסור להשתמש בווייס-אובר. ווייס אובר הוא אנטי-תיאטרון. אם לא ניתן לתאר את הדמויות על פי ההתנהגות שלהן והרפליקות שלהן, עדיף לוותר עליהן ועל ההצגה בכלל.


מחזאות היא מלאכה של איפיון באמצעות סיפור וסיפור באמצעות איפיון. ווייס אובר, גם אם קריינותו ניתנת בפי אחת הדמויות, הוא ויתור הן על מלאכת האיפיון והן על מלאכת הסיפור וצריך להמנע ממנו כמו מחומצה הידרופלואורית. אם מדובר בטעות של המחזאי (ובמקרה הזה שני המחזאים צעירים ועדיין פגיעים לטעויות), כדאי מאוד לתקן אותה, ויש דרכים.


ועכשיו למה שמצויין. קודם כל: ליאור אשכנזי. היו לאיש רגעים קומיים טובים בעבר הן על הבמה והן על המסך, אבל ב-"שם פרטי" הוא מהווה את מעיין הצחוק של ההצגה. למעשה, אשכנזי הרבה יותר ליצני כאן מדב נבון, שעשה קריירה כשחקן הומוריסטי. יש לו טיימינג חזק, תנועה מצויינת ותקשורת טובה עם הקהל. הוא אלוף.


יעל לבנטל מספקת קרקע דרמטית במונולוג של אשה שבעת ויתורים, שמופיע מאוחר יחסית בהצגה. המונולוג מעט בנאלי, אבל אנחנו מאחרים לחוש זאת כי הוא נמסר היטב. מיכל לוי במיטבה כשהיא מנסה לפשר בין הנצים ומורדי גרשון לקח על עצמו אתגר מיוחד: דמות של גבר שיש בו מימד נשי אבל שאינו בהכרח הומוסקסואל. הוא עושה את התפקיד בעידון רב.


בסופו של דבר, מחבר שורות אלה מעט חצוי. כשבאים לערוך השוואה, "שם פרטי" מעט נחלשת בשנים האחרונות ראינו בבית לסין "הצגות סלון" חזקות באמת ("רוחל'ה מתחתנת”, לדוגמה) והצגות שהפליגו הרחק מעבר לסלון (כמו "מנדרגולה" המדהים) ההצגה המתחרה מאותו ז'אנר, “אידיוט מושלם”, בהבימה, מצחיקה קצת יותר, גם אם רק קצת.


שם פרטי" היא הצגת אמצע ובמקרים כאלה עדיף לנטות לה חסד, גם כי היא באמת חביבה, וגם כי אין לדעת איך היא נראית בערבים אחרים, שהם אולי צעקניים פחות. יופיה של האמנות הזאת היא בכך שהכל יכול בעצם להשתנות על הבמה, הכל – מלבד הווייס אובר המוקלט, שלא ישתנה לעולם.


"שם פרטי" מאת מתיה דלאפור ואלכסנדר דה-לה פאטאלייר. תיאטרון בית ליסין. משתתפים: ליאור אשכנזי, מורדי גרשון, יעל לבנטל, מיכל לוי, דב נבון. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר" בספטמבר, 2011. איור: "העריסה" מאת ברת מוריזו.


בין עזה לברלין | "הוקי פוקי" בתמונע


אחת ממנות הקובה היותר מוצלחות שאפשר לטעום בירושלים מוגשת במזנון קטן ששמו "בין עזה לברלין". השם הוא ציון של מיקום, שהרי המזנון נמצא ברחוב עזה פינת רחוב הרב ברלין, אבל יש בו גם משהו פיוטי. האם לא זה מיקומנו המדוייק במרחב ההיסטורי-תרבותי-פוליטי? כולנו תקועים בין עזה לברלין, תכלס.


האמנות הישראלית עושה מאז ומעולם מאמצים לספק את הסחורה שמופיעה בפשטות כה רבה בשלט המזנון. איך באמת אפשר לדחוס הן את השואה והן את הסכסוך הישראלי-פלשתיני בהצלחה לתוך ספר, סרט או הצגה? מצד אחד, זה ה-מתכון מספר אחת לחוסר טעם וגועל נפש. מצד שני, זאת האמת. אנחנו תקועים בין עזה לברלין. חייבים לספר את זה.


אייל וייזר אחראי הן לכתיבתו והן לבימויו של נסיון נוסף לעשות זאת. ההצגה "הוקי פוקי”, מוצגת לקהל כפרזנטציה לפרוייקט בלתי גמור שיעדו ברלין. לפני תחילתה מתחנף השחקן יונתן בר לנציגים דמיוניים של אגודת תרבות ישראלית גרמנית, היושבים כביכול בקהל, ומסביר ליתרתנו שאם תצליח ההצגה, היא תיוצא לתיאטרון השאובינה, כאילו, אולי. מאחוריו תלוי דיוקן ממוסגר גדול של היטלר. הוא מזכיר את דיוקנה של סוהא ערפאת שהיה תלוי בבר המנוח "ריף רף" ברחוב גרוזנברג. להם עזה, לנו ברלין.


אבל לנו גם עזה - היא מופיעה מהר מאוד. גלעד פרידמן מגלם מחזאי צעיר שצויין פעם, אבל רק פעם, כממשיכו של חנוך לוין. הוא מאזין למונולוג של ליידי מקבת מפי שחקנית ערביה (יפעת ישראל) ומתאהב במשהו שם, משהו בערביות שלה, או בערביות שבכלל אינה שלה. הוא מחליט לשבץ אותה לתפקיד הראשי במחזהו ההולך ונרקם, וללמד אותה מהו הסבל הפלשתיני, כדי שיובע במסגרת התפקיד.


השחקנית עצמה לא מי יודע מה מתחברת. היא מורה לבלט וצאצאית לפרופסור מצליח. עזה ממנה והלאה וכל נסיונותיו של המחזאי לעורר בה את תחושת ההשפלה והזעם עולים על שרטון תל-אביביותה. הוא עצמו הולך ונרקם למול עינינו לכדי אחת הדמויות המאוסות המוצלחות יותר שנראו על הבמה לאחרונה. טור דה פורס של פדיחה מהלכת.


התפקיד, אגב, יועד במקור לאשתו של המחזאי שבהצגה (נעמה גולדשטיין). יועד? הוא מבוסס על דמותה. נסיונו של הבעל היצירתי למהול בסיפור מצוקת נישואיו המומחז גם את מצוקת דיר אל בלאח מבדר ומתסכל בעת ובעונה אחת. וייזר מצטט בחן את 8.5, ובמקביל מציג בפנינו על הבמה את בור חוסר הטעם שלתוכו לא נפל. אין בהצגה הזאת רגע אחד שאינו מודע לחלוטין לעצמו, ולכן היא עובדת.


"הוקי פוקי" יותר מאשר עובדת, היא מצחיקה ומחכימה. בפגישה אצל יועצת הנישואין שלהם, מתרעמת אשת המחזאי על הנטייה האוריינטליסטית של בעלה ועל הקסם המיוחד בו בורכו כביכול שחקניות ערביות. עם עלות הדם לראשה, היא מציגה שיחה דמיונית היסטרית בין שחקניות ערביות המקימות קנוניה: להשתלט על כל התפקידים הראשיים בהפקות שייקספיר בארץ. הטקסט אינטיליגנטי כל כך וההעבודה של גולדשטיין מהוקצעת כל כך שלא ניתן אלא להתמוגג.


להתמוגג ככה? מול תמונה של היטלר? מול סבלותיה של רווקה נכה (דריה אברם) הנדחית שוב ושוב על ידי גברים? מול ביטויי מחלת הנפש של יועצת הנישואין (אביטל אדר הנהדרת) שמשתוקקת לשואה, כי רק היא תוכל להכניס משמעות לחייה? כן, כי ההתמוגגות הזאת היא אמיתית. הוקי פוקי מצחיקה כמו שקומדיה צריכה להיות ומתובלת בפיחס אמיתי. אם אין בה מלח של דמעות ממש, מה שהיה מדרדר אותה אל תהום המבוכה אליה היא סמוכה כל כך, יש בה לפחות מלח של זיעה ישראלית.


ידוע, אגב, שקיץ הזה הכניס שינוי מסויים בהרכבה הכימי של זיעתנו. הוקי פוקי, הגם שהיא הצגה בת מספר חודשים, מצליחה איכשהו להגיב לטון של הימים האלה. רק בשבת דיברה דפני ליף על הבמה בכיכר המדינה על בידודנו כיחידים בחברה שקמה כאן. הבידוד הזה הוא הנושא האוניברסאלי יותר של ההצגה והוא שהופך אותה לתיאטרון ממש ולא לסאטירה.


איש על הבמה לא רואה באמת דבר מלבד את עצמו. ליף דיברה על העוינות אותה זורעת תחרות קפיטליסטית. על הבמה מתרעמת ליצנית מסיבות ילדים (ענת גת) על ליצנית אחרת המאפילה עליה. לשתיהן קוראים פיצי, אבל אחת היא פיצי הליצנית והשניה היא פיצי הליצנית והקוסמת.


פיצי שאינה קוסמת רוצה להיות קוסמת בדיוק כפי שאשת המחזאי רוצה להיות ערביה. גם היא, כמו כולם, משתדלת מאוד להפוך את עורה כדי לזכות בתשומת ליבם של אחרים. טוב שוייזר לא עשה כך. הוא דבק באמת תיאטרונית קלה-כבדה, נכנס ללוע הארי של תיאור מציאותנו, ומלבד גמגום מסויים בסיום, יצא בהחלט ללא פגע.


"הוקי פוקי", תיאטרון תמונע, כתב וביים: אייל וייזר. משתתפים: דריה אברהם, אביטל אדר, יונתן בר-אור, נעמי גולדשטיין, ענת גת, יפעת ישראל, גלעד פרידמן. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר", בספטמבר, 2011. איור: נוף העיר עזה מאת דיוויד רוברטס.


יום רביעי, 24 באוגוסט 2011

הצגה סופנית | "סוף טוב" בקאמרי


כמה ממחזות הזמר המוצלחים ביותר בהיסטוריה מבוססים על חומרים שלא נראים במבט ראשון מתאימים למחזמר. תחשבו על "עלובי החיים", למשל. מי העלה על דעתו לעשות מחזמר מרומן צרפתי של אלף עמודים שנכתב במאה ה-19 ונושא שם מדכא כל כך? דוגמאות אחרות לא חסרות, החל בניצול ילדים בעולם הפשע (אוליבר) וכלה בעליית הנאצים לשלטון (קברט). זה לא מקרי. עוצמתו של המחזמר כמדיום הוא ביכולתו להכיל אופל והומור שחור ולמהול אותם במוסיקה ובמחול.


ענת גוב הרחיקה מאוד לכת במהילה. היא חיברה פנטזיה מוזיקאלית על חווייה של סרטן אכזרי, שאותה היא חווה בימים אלה. אפשר בהחלט היה לחשוש מתוצר סר טעם. שורות כמו: "יום אחד תרגיש מיחושקלה, רופא יתן מישושקלה, ימצא שם איזה גושקלה וסוף כבר לקישקושקלה" הן חומר מסוכן מאוד, מתכון לתיאטרון חולה. אבל "סוף טוב" רק מוסיפה בריאות. היא אחת ההצגות המוצלחות והמרגשות שנראו כאן לאחרונה.


כשצפיתי בה לראשונה, לפני כחודש, יצאתי המום, אבל אילוצים טכניים עיכבו חיבור ביקורת. לפני כמה ימים צפו בהצגה הורי ובסיומה פגשו בי לקפה. הם לא היו מסוגלים לדבר על דבר מלבד "סוף טוב" ולאורך כל המפגש לא יצא לי אפילו ללמוד מה שלומם. התרגשותם עוררה אותי מחדש לכך ש-"סוף טוב" היא הצגה משמעותית המחייבת ביקורת, ולא רק משום שהיא מהלכת בצעדי מחול בין חיים למוות, אלא משום שהיא מעידה על הבשלתו של זרם בתיאטרון הישראלי, זרם שעד כה ראינו בו תיאטרון בורגני נינוח ותו לא.


כן, ההצגה נפתחת כקומדיית מצבים, עם כל החולשות והיתרונות של קומדיות מצבים. הדמות המרכזית, טליה, שאותה מגלמת ענת וקסמן ברגש מאוזן ומהודק, מגיעה ליום ראשון של טיפול כימותראפי, במחלקה בה יושבות נערת רוק מתבגרת, חסידת ברסלב ואשה מבוגרת מרירה. איפיון הדמויות סובל מכמה קלישאות (מתלמד הומו במחלקה מוצג כשידו שמוטה ברפיון מול חזהו. התחייבתי בעבר שכל הצגה בה נראה הדבר מאבדת אוטומטית חצי כוכב, וכך יהיה גם כאן) והשיחות נעות בין הצפוי לשנון, אבל בשלב מסויים הצפוי נעלם, השנינות נשארת ואליה מצטרפות שאלות קשות של חיים ומוות, חופש ומחוייבות. התשובות הניתנות להן אינן מובנות מאליהן כלל, קשה לדמיין אדם בריא שהיה מצליח להציג את הדברים כך.


טליה מבינה שהסרטן שלה אגרסיבי יותר מזה של המטופלות האחרות ומצוי בשלב מתקדם יותר. היא שוקלת שלא להתחיל בטיפול, אלא לקבל את המוות כגזירה. רופא המחלקה, ד"ר כץ, נכנס לתמונה ומנסה לשכנע אותה לא לעשות שטויות. בערב בו צפיתי בהצגה גילם יפתח קליין את התפקיד. בערבים אחרים מגלם אותו עודד ליאופולד, שמצטייר כאפשרות לקאסטינג הולם יותר. אבל כך או כך הרופא הוא דמות פריפראילית. התשובה האמיתית לדילמה נמצאת בתוך הקהילה הנשית המיוחדת שעל הבמה.


שרית וינו אלעד, בתפקיד אם חד הורית לנערה מתבגרת שהסרטן קרב בינה לבין בתה, שופעת אנרגיות קומיות מן הסוג המצויין במיוחד. רוני שובל שובה בתפקיד הברסלבית, שהמורכבויות של עולמה נחשפות הן בפנינו והן בפניה ככל שהזמן עובר, ורותי אסרסאי, הבטחה אמיתית ההולכת ומתממשת מהצגה להצגה, היא האחות עמליה הסימפטית.


עולה על כולן זהרירה חריפאי בתפקיד אשה מבוגרת, נרגנת וצינית אבל נחרצת במלחמתה במחלה. הסולו השירי שלה, הכרזת מלחמה בוטה כנגד מבקש נפשה, הוא פנינה חנוך לווינית בלתי נשכחת. החיים, לדבריה, חירבנו עליה וובכך מנעו ממנה את האופציה לרגשנות מתקתקה. “אני גיטרה, מישהו מחרבן עלי,” שרה חריפאי, בפראפרזה על שיר ערש הדווי של בני אמדורסקי “הגיע זמן שכבר אומר לו די!”.


כן, יש יופי של מוזיקה באונקולוגית ב'. על מקלדת המלחין יושב שלומי שבן, שיצר כאן הפתעות. שבן, אמן פופולארי עם שורשים קלאסיים, הוא מלחין ורסאטילי ואיכותי והתיאטרון נותן לכך ביטוי מעבר למה שניתן למצוא באלבומיו. יש כאן קטעי שירה ומחול שיחרטו היטב בזכרון, כן, מחול, כי החולות אמנם מרותקות לאינפוזיה, אבל מקהלה כשרונית מפיקה על הבמה קטעי פנטזיה מעולמן ובמסגרת הפנטזיה ניתן לקום מן הכיסא ולחולל אפילו עם הסרטן בכבודו ובעצמו, יד אוחזת צבת. נשמע כמו קישקושקלה? אני רוצה לראות אתכם אחרי שיורד המסך.


את הנשמה החיה המפעמת בהצגה הפיחה עדנה מזי"א שבכסא הבימאית. קשר אמנותי-רגשי עמוק בין מחזאית לבימאית ניכר לכל אורך ההצגה והוא שמעניק בסיס איתן של קסם לכולה. קשה יהיה לשחזר קשר כזה אם תתורגם "סוף טוב" ותתחיל לעשות את דרכה בין ברודוואיי לווסט אנד. ההזדמנות לצפות בה כיום, כאן, בקאסט הזה, בעוד יוצרתה אמנם נאבקת על חייה אבל עודה איתנו (והלוואי שתשאר איתנו עוד הרבה שנים ותחבר עוד המון שירי ברבור כביכול), היא הזדמנות שאסור להחמיץ.


"סוף טוב" מאת ענת גוב, בתיאטרון הקאמרי, בימוי: עדנה מזי"א, משתתפים: ענת וקסמן, שרית וינו אלעד, רוני שובל, זהרירה חריפאי, יפתח קליין, רותי אסרסאי, אליחי לויט, גילה פוליצר, הגר דנון, רועי קקון, דורון ישינסקי, מתן ריכליס. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר", 18.8.11. איור: "בית החולים הנרי פורד" מאת פרידה קאלו.

יום רביעי, 17 באוגוסט 2011

דייב, אמה בגדה בך עם ג'יי ג'יי | "מונוגמיה" בהבימה


בימי החמישיה הקאמרית השתתף רמי הויברגר במערכון מבדח למדי שעקץ את התיאטרון הישראלי. בראשית המערכון מתארח באולפן טלוויזיה במאי ההצגה "היום שבו מתה מרילין מונרו", שגם משחק בה באחד התפקידים הראשיים. המנחה מסבירה שעלילת המחזה האמריקאי מתרחשת במהלך לילה אחד בשכונת עוני בדרום קנטאקי, על רקע הנחיתה על הירח ומאורעות אחרים של שנות השישים. לשאלתה מדוע בחר דווקא במחזה זה, משיב הבמאי (שי אביבי) שהוא "מאוד חשוב ומאוד רלוונטי לחיים שלנו ולמה שקורה היום בארץ”.


מיד לאחר מכן מוקרנים קטעים מן ההצגה. גיבוריה, ג'ון הודג'ס ודייב קארווש, נזכרים בימים בהם היו כולם יחד: הם שניהם, סם, טימי בוי, ג'יי ג'יי, אליס (שלא גרה שם יותר) ברברה וולטרז ואיזדורה דאנקן. מדי פעם נכנסת קרן מור בשמלת בטי פרנסיס ומשקפי קרן ומצהירה שהתרחש אירוע מסוים בהיסטוריה האמריקאית. כל המניירות והקלישאות לקוחות מתוך אמריקה מרוחקת ודי מדומיינת שאין לצופה הישראלי דרך להפיק ממנה דבר.


בראיון המופיע בתוכניית ההצגה "מונוגמיה", אותה ביים על פי מחזה בריטי ושבה הוא משחק באחד התפקידים הראשיים, מצהיר הויברגר: “אחרי "השחף" זה נראה לי הדבר הראוי לעשות, להתרענן במשהו עכשווי, שעוסק במילייה שלי ושל האנשים שאני עובד איתם. מחזה שהוא באמת על החיים שלנו...” זה נראה כמו הכנה לאירוניה מטורפת, בעיקר משום שהמחזה מציג שלושה מעשי בגידה שונים, כשששניים מהם מחבלים באותה זוגיות, ברוח וידויו של ג'ון הודג'ס: “דייב, אמה בגדה בך עם ג'יי ג'יי והיא בגדה בג'יי ג'יי עם טימי בוי בוי. בלילה שהוא מת מת היא בגדה בו איתי.”


הויברגר נזהר שלא ליפול לתוך המלכודת המצחיקה הזאת. “מונוגמיה" עבר עיבוד דקדקני למציאות ישראלית, ולא רק ישראלית, אלא "גלוקאלית”, כזאת שהגלובאליזם משתקף בה בניב מקומי. לא רק השמות שעוברתו, צליל הכריזה בנתב"ג או קריצה לשערוריה באל עראקיב מפיחים את המקומיות בהצגה. גם השימוש בקללות באנגלית בה הוא ישראלי, ואפילו צלצול האייפון של גיבורתה.


הויברגר בחר בהיפר ריאליזם וזוהי בחירה נכונה. הלשון (בשזירתו של המתרגם יוסף אל-דרור) קולחת, הבדיחות עובדות, הזדהות עם הדמויות אפשרית תמיד. סיכום העניין: ההשקעה ביצירת האפקט העכשווי- מקומי משתלמת. נשאלת רק השאלה: האם המחזה מצדיק השקעה כזאת? הוא סקסי וסוחף לפרקים אבל הרבה הפתעות אין בו: מתכון להצגה מהנה אבל נשכחת.


הבוגד הראשי, ניר (הויברגר עצמו), הוא כתב טלוויזיה שמתמחה בסיקור איזורי אסון ושמשתמש בזוועות דרפור כדי להשכיח מעצמו את אסונה של משפחתו. קיצור העניין, הוא דוגמא שטחית לניכור גברי. מאהבתו, מאיה (ריקי בליך), היא שחקנית לא מצליחה, שמסתפקת לעת עתה בתפקיד בגירסת היפהופ לסיפור עליסה בארץ הפלאות. סצינת אודישן בה מביכה מאיה את עצמה היא שיחזור של עשרות סצנות כאלה בקולנוע, בטלוויזיה ובתיאטרון. בליך עושה עבודה בימתית טובה, אבל הפגם הוא במקור: גם מאיה היא קלישאה, כמעט כמו דייב קארווש.


זוג בימתי נוסף הוא אדם (אמנון וולף) ואלזה (יפית אסולין). בראשית המחזה אדם הצלם הוא בן זוגה של מאיה (שבוגדת בו עם ניר ועם ג'יי ג'יי) ואלזה מנהלת את לוח הזמנים של שף טלוויזיוני אותו הוא נדרש לצלם. בשתי הדמויות יש זיק של משהו, בעיקר כתוצאה מקסמם האישי של השחקנים, אבל מדוע עלינו להסתפק ב-”משהו"? אולי באירופה מחדיר רגש של אשם והכחשה כלפי העולם השלישי עניין בדמותו של ניר וממרכז את העניינים, אבל ההצגה בהבימה נטולת מרכז ונעדרת גילוי מעניין. כולם בוגדים, הילדים נפגעים, ברגשות קשה לגעת, לעזוב את הבית מבאס, 2=1+1.


כאשר הקונטקסט העמוק של הצגה הוא עקר, אלוהים מתגלה בפרטים. ב-"מונוגמיה" ניתן להתענג למשל על עיצוב התלבושות של כנרת טופז. כאשר תופשת אשתו הנבגדת של ניר, מיקי (אסנת פישמן העוצמתית תמיד) את מאיה להתעמתות בחדר ההלבשה, היא לבושה כחתול צ'שייר בסגנון היפהופ, כולל קפוצ'ון ושרשראות. גם התפקידים הקטנים מתבלטים. דוב רייזר שב ומופיע בחמש דמויות שונות וכיף בכל פעם לקבל את פניו. עם זאת, אני מתחייב שמעתה והלאה כל הצגה שמגולם בה הומוסקסואל כשהוא שומט את ידו, משל היה מתהדר במניקור, מאבדת אוטומאטית חצי כוכב בציון הכולל. אולי יש גם הומואים כאלה, אבל על הבמה העברית הם מוצגים כך כמעט במאה אחוז מהמקרים וחייבים העדפה מתקנת.





מונוגמיה מאת סטלה פילי. תיאטרון הבימה. נוסח עברי: יוסף אל-דרור. בימוי: רמי הויברגר. משתתפים: רמי הויברגר, ריקי בליך, אסנת פישמן, אמנון וולף, יפית אסולין, דוית גביש, דב רייזר ויערה פלציג. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר" ב-12.8.11. איור: סצנת שירותים מאת אריק פישל.





יום שלישי, 9 באוגוסט 2011

מדורת החסד | "תש"ח" של הקבוצה החיפאית


בעיצומן של שנות ה־90 מצאתי את עצמי תופס טרמפ לילי מהעיר השוויצרית סנט גאלן. לא נמצאה בה אכסניה זולה מספיק לתקציבי, וקיוויתי למצוא פתרון לילי אחר. הנהג שהואיל לעצור עבורי אסף ביציאה מן העיר גם שתי בחורות צעירות, פליטות בוסניות בדרכן למועדון של פליטים בעיירה רורשאך. הצטרפתי אליהן והאזנו יחדיו לזמר נורא שניגן בסינתיסייזר. אחר כך יצאנו והקמנו מדורה על שפת האגם, ושם העזתי לראשונה להפנות לדוברת האנגלית מביניהן את השאלה.


"היית במלחמה?".


"הייתי".


"מה ראית?".


היא שתקה.


"ראית דברים קשים?".


"כן. קשים".


לא היה לאן להמשיך מכאן. הסיפורים לא יצאו מפיה באותו לילה ואני המשכתי בדרכי כששתיקתה ממלאת אותי. השתיקה הזאת היתה בשבילי לדימוי החזק ביותר של המלחמה ההיא.


רשמי מלחמת תש"ח עברו אלינו כשהם סרוגים בשתיקות. בעשורים האחרונים, אלה שלאחר בני מוריס, נדמה אף שהלא מסופר רב על המסופר. הספר "תש"ח" של יורם קניוק, שראה אור לפני יותר משנה, שבר במידה רבה את הדפוס המוכר, הן משום שהוא מספר ממקור ראשון על אירועים כגון הרג מכוון של ילדים ופינוי ערים, והן משום שהוא נמנע מקנוניזציה של הפלמ"חניק ומציג אותו באנושיות עמוקה. במקומות שהיתה בהם שתיקה, קניוק שם ספרות.


זה המקום לגילוי נאות: כותב שורות אלה מקורב למחבר הספר, בין השאר בזכות ויתורו על השתיקה. במפגשי הראשון עם קניוק שאלתי אותו על המלחמה ההיא והוא סיפר לי דברים שלא ידעתי ושפקחו את עיני. החוויה היתה מרתקת והובילה למפגשים ושיחות נוספים. נכונותו של קניוק לספר היתה בשבילי כמו פיצוי על שתיקתה הנוראה של הבוסנית ברורשאך. מגיע לנו לדעת ממה מלחמות עשויות. אין דבר בעולם הזה שחשוב יותר שנדע.


הספר "תש"ח" הוא אם כן מתנה יקרה שראויה לעיבוד תיאטרוני הגון. "החיפאית", קבוצת הצעירים של תיאטרון חיפה בניהולו של ארי רמז, לקחה על עצמה את האתגר. נויה לנצט, כמעבדת ובמאית, העמידה שמונה צעירים על במה שאין לה קלעים. כמו שדה קרב, אין לאן לחמוק ממנה, וכל השחקנים מצויים עליה בכל רגע נתון. רוח ההצגה היא רוח של ספר - סטוריטלינג ולא המחזה - ומילות המפתח הן אכן שבירת השתיקה. זו שבירה אנרגטית, מוזיקלית, שמלווה לפרקים במוזיקה קצבית, לפרקים בבאך ולפרקים בספוקן וורד.


ספוקן וורד? איך מתלבש מושג מתחום ההיפ הופ על לוחמי תש"ח? מתלבש יפה מאוד. ההצגה מצליחה משום שהיא צעירה באופן אותנטי. אין בה אנכרוניזם, יש בה חיבור אמיתי של שחקניה הצעירים לחווייתו של קניוק כפי שתיאר אותה. כן, הכעסים והפחדים של דור תשע"א אחרים, אבל הם נובעים בין השאר מאותו מקום. הם רלוונטיים. החיפאים מצליחים לגעת במציאות הפלמ"חניקית מבלי שננוע באי נוחות בכיסאות, וגם רגעים של משחק בוסרי מעט לא מקלקלים את ההישג הזה.


זהו הישג מעניין גם מכיוון שאותה חבורה ממש החמיצה בעבר את העיסוק בבעיות דורה שלה: "תופעות לוואי", הפקה קודמת של החיפאית שעסקה בסיפורי חייהם של צעירים ישראלים, לקתה בהיעדר ביטחון והיתה אנמית.


קניוק תיאר את מותם המיידי של מפקדי חטיבתו עם בואם להחליף את פקודיהם בקסטל, בעוד שהפקודים נסים ביניהם. הרגע הזה, מוחיה ומומת על הבמה בכוריאוגרפיה מעודנת, הוא בלתי נשכח. יכול להיות שאנחנו באמת בני דור מפונק שלא קורה לו כלום, אבל לפחות יש לנו יכולת לגעת בדרמה הגדולה של קודמיו.


ההצגה במיטבה ברגעים שבהם היא מתקרבת לתיאטרון מחזאי. הטריגר להתגייסותו של קניוק לפלי"ם הוא מפגש של אביו (רביע חורי, שכמו שאר השחקנים מחליף כמה תפקידים במהלך ההצגה ושנוכחותו על הבמה כערבי מעוררת באופן טבעי עניין מיוחד) עם אלמוני דובר יידיש שמתדפק על דלת בית המשפחה (רון ריכטר) ומתגלה כדוֹד שניצל מטבח יהודי טרנופול ומגיע, מלא געגועים וזעם, לפגוש את קרובו שזוועות השואה נחסכו ממנו. תחושת האשם הממלאת את הנער הצופה במפגש תגלגל אותו לבסוף אל זוועת נבי סמואל ולפציעה בהר ציון.


האגרופים והחיבוקים שבפגישה, היריקה על הנעל והדמעות, המסתורין העצום והכאב שהיא מותירה מצליחים להניע באמת את הלב והתודעה. לנצט והשחקנים מוצאים ברגע כזה איזון נהדר של מלל, שתיקה ותנועה. יש לקוות שביום שבו תקים נכדתה של הפליטה הבוסנית מדורה על במה בסראייבו, כך זה ייראה.


"תש"ח" על פי יורם קניוק בביצוע הקבוצה החיפאית. עיבוד ובימוי: נויה לנצט. משתתפים: קרן אור, סיון הכוכבי, מעיין ויסברג, עומר זוננשיין, רביע חורי, רותם לוי-וגה, אסיה נייפלד, רון ריכטר. הביקורת הופיעה לראשונה ב-"עכבר העיר" ב-5.8.11. איור: פרט מתוך "גרניקה", פבלו פיקאסו.

.

יום שני, 1 באוגוסט 2011

בחירות מוטעות של נסיכים ומנצחים | "הנסיכה איבון" בגשר



מעניין כמה יצירות פולניות עוסקות בשתקן מסתורי שמתגלגל לבית אצילים. לפחות שתיים כאלה הפכו ידועות מאוד. הספר "להיות שם" של יז'י קושינסקי מספר על גנן מאותגר שכלית, שהופך לבן בית באחוזת מליונרים שאליה נסחף במקרה. הנסיכה איבון, גיבורת מחזהו של ויטולד גומברוביץ', היא פשוטת עם צעירה שנאספת מן הפארק אל ארמון המלוכה, ונוכחותה השותקת מקימה בו מערבולות.


משה איבגי אינו אלמוני שתקן, ובבית תיאטרון גשר מכירים היטב את כישוריו, אבל במאי התיאטרון שבו הוא דמות מסתורית, שזו לה התגלות ראשונה. מהו במאי? במאי הוא מנצח על תזמורת של אנרגיות. לאיבגי יש יד מביימת דינמית. ראינו זאת לאחרונה בסרט הביכורים שלו "וביום השלישי", שעם סיומו חש הצופה כאילו זה עתה חצה את העיר כולה על אופניים בברד כבד. אני כותב זאת כמחמאה. העולם זקוק לחוויות כאלה ושמח שיש בו משה איבגי, אמן רציני שמתנסה במדיה חדשה בביטחון.


"הנסיכה איבון", הצגתו הראשונה של איבגי כבמאי תיאטרון, גם היא סופה. הארמון סוער: הנסיך פיליפ החליט לקחת לו לאשה נערה מפשוטי העם, שתקנית, לא יפה ואולי אפילו מוגבלת התפתחותית. הוא מתארס לה מתוך שעמום, או כדי לבחון את תגובת החצר, או אולי כדי לבחון את עצמו. הנערה עצמה שומרת על שתיקה. רק מילה אחת היא אומרת לאורך המחזה כולו, ובכך הופכת לשקט שבעין הסערה, לסמל של תמימות שכולנו נכונים לאחוז בו.


תפקיד שכולל מילה נאמרת אחת אינו בהכרח תפקיד קל. אפילו אמירת המילה עצמה אינה קלה (הזדמן לי פעם לגלם תפקיד כזה במחזה של סמואל בקט. המילה האחת היתה "אותו" ואיכשהו לא הצלחתי בשום אופן להגיד אותה לשביעות רצונה של הבמאית). גם להיות שקט אמיתי בעין סערה זה לא פשוט. דאנה איבגי, בתו של הבמאי, עושה את זה יפה. אלון פרידמן מוביל את ההוריקן כפיליפ, וגם הוא בסדר גמור. אפרת בן־צור מפיקה אנרגיות מעניינות באמת מתפקיד אמו המלכה, והיא השחקנית הבולטת על הבמה.


הלשון אף היא דינמית. רועי חן תירגם באלגנטיות ובקלילות. מעצבת התלבושות ענבל שוקי הלבישה את משפחת המלוכה בעילגות אלגנטית, או באלגנטיות עילגת, ובכל אופן באמירה. מעל כל אלה, ולפעמים מתחתם, מתנדנדת דיסקית מתכת, פרי מוחו היצירתי תמיד של מיכאל קרמנקו. פעם היא שמש שוקעת, פעם היא תקרה בין מפלסי הארמון, פעם היא נדנדת שעשועים, תמיד היא מתנועעת. הסערה מניעה אותה ואני עוקבים אחר ההתרחשות לקצב תנועתה.


בכל שצף התנועה הזה יש משהו אחד שלא זז והוא אנחנו. גומברוביץ' חיבר את המחזה בראשית שנות ה־ 30 , תקופת שקיעתה של האצולה בארצו. זאת נקודה חשובה, כי מדובר בראש ובראשונה במחזה פוליטי. הוא מועלה על במת גשר בלי שיוענק לו קונטקסט מקומי או עכשווי ובלי שיינתן פיצוי של ממש על היעדר קונטקסט כזה.


הנסיך פיליפ אינו המלט של האהבה. הוא דמות שטוחה במכוון, שאמורה הנסיך פיליפ אינו המלט של האהבה. הוא דמות שטוחה במכוון שאמורה להפעיל אותנו בכך שנזהה בה את חולשותינו או את חולשות השלטון שעלינו. פרידמן נוהגבו נכון, אבל הוא מתנהל במרחב שהוא בסופו של דבר מעגל סגור. כל האנרגיות מתנקזות אל הנדנדה של קרמנקו, שמצויה בדיוק במרכז הבמה ושואבת אותן. המעצב אכן גאון, אבל עבודתו דומיננטית מדי, ובתום ההצגה אנחנו נשארים בעיקר עם תנועת המטוטלת שלה.


צריך היה להישאר ממנה גם דבר נוסף. אנחנו נמצאים במציאות דומה מאוד לזו שאותה מתאר גומברוביץ'. הפערים בין המעמדות עצומים ומתרחבים, הניצול רב והאהבה ממוסחרת ומוזנית מדי יום. אם לא ניתן לנו לחוש כעס אישי בהצגה הזאת. משהו בה חסר.


קל מדי להאשים בעניין את פרח המנצחים איבגי. אני סובר שהבעיה נובעת דווקא מהנהלת התזמורת, כלומר מן הקו האמנותי הנוכחי של תיאטרון גשר. בגשר מעוניינים בראש ובראשונה ליצור תיאטרון יפה, "בר יצוא". כתוצאה מכך הבחירה ב"איבון" היא בחירה מוטעית והיא מקבילה במשהו לבחירתו המוטעית של הנסיך האוסף את דמותה לארמונו. אותה בעיה בדיוק קיימת בהצגה "רביזור" המועלית במקביל, שגם בה מוצגת סאטירה פוליטית כתיאטרון אסתטי. לא צריך להפוך את "הנסיכה איבון" למערכון של "ארץ נהדרת" או אפילו של "פולניה נהדרת", אבל אפשר וצריך לתקשר עם הנפח האמיתי של המחזה.


הנסיכה איבון מאט ויטולד גומברוביץ'. תיאטרון גשר. במאי: משה איבגי. עיבוד ונוסח עברי: רועי חן. משתתפים: דאנה איבגי, אלון פרידמן, אפרת בן-צור, מיקי ליאון. הביקורת הופיעה בעכבר העיר, 28.7.11. איור "אירן קאהן מאנטוורפן" מאת רנואר.